很多老师认为，一个学生的音乐性需要在掌握一定技巧成熟度才能获得。然而，技巧与音乐性实际是同时进行与发展的。所有的演奏都伴随着目标，即声音质量的追求，在这样的目标下，去寻找适合的技巧从而演奏出这样的声音。（而非，先设定技巧，再探寻声音）。

在谈论音乐性之前，我们先看下情感与动作内在联系。情感与动作是互相联系的，当我们平静的时候，我们肢体会自然慢下来，非常平稳。声音与情感以及动作是相连的，声音质量是平稳相连的，而非为突然性地下键敲击。下键的速度是极为重要的，当下键的速度是缓慢，逐渐以及统一的时候，所产生的音质也是平静安稳的。

为了能够进行音乐表达，学生需要与乐器直接进行“连接“，即学生需要通过触键，从而立即感受到其身体，大脑中音乐的意向以及乐器之间的连系。这是人，钢琴，以及声音的连接,只有当演奏者感受到这个连接，那么他就真正在创造音乐。

很多老师认为，一个学生的音乐性需要在掌握一定技巧成熟度才能获得。然而，技巧与音乐性实际是同时进行与发展的。所有的演奏都伴随着目标--声音质量的追求，在这样的目标下，去寻找适合的技巧从而演奏出想要的声音。（而非先设定技巧，再探寻声音）

许多老师都认为，乐感是手，手腕，或者手臂起伏的产生或表现，但实际上，这些多余产生的动作与音乐是毫无联系的，而最后导致的是产生一系列不必要的声音与作曲家意图不符。

在演奏时，一定，要在大脑中清楚具体声音的音质，而学生应在老师的引导下在与之相关的运动下创造想要的音质。【相关的运动--最小化的运动，然而是伴随精准确量的力，触键及方向从而产生最准确的声音。】

运动需要是具有目的性的--动作的产生需要帮助声音流动（乐句或音乐线条）。动作产生不应仅是毫无目的的，同时也不应是与声音毫无联系的。

相反，我们应该探寻最简化的运动，从而能够最有效把其转化成音乐，与之同时，通过身体协调去感应运动的持续性，并最终把运动直接与音质进行连系。

经常性，我们会看到学生抬手腕，高抬指，我们经常看到钢琴家这么做--但这完全是两个不同的意图。钢琴演奏中出现的抬指更多是手指的释放，而此动作并不仅是简单从手指出发，它实际是从手臂发出，通过整个手臂（大臂，小臂，手腕，手掌）最后到指尖发力的过程，所以产生的音质色彩不同。

简单举个例子，当在一个乐段里出现一连串音阶时，倘若你想要达到安静平稳的音线，如果表现在动作上出现许多的高抬指，手腕的上下摆动，那么所产生的声音音质也将是僵硬，缺乏流动性，同时整个音线也是不平稳。而多余的动作（抬指，提手腕等）也会阻断力从身体传到指尖。相反，如果你希望得到平稳的声音，应用到动作上，我们演奏的动作需要与音乐保持一致，即非常平稳的动作，而动作更多是横向性的，而非从下之下的敲击键盘动作。

那么如何在第一天开发学生音乐性？因为时间关系，我今天只能涉及到一个概念--Sensing，感应。同时我也会给大家提供一些我自己研究出极其有效的练习方法。此练习目的是为了通过感应，让学生形成与琴键紧密的内在联系。

感应与琴键的触碰----需要花多少力弹下琴键，（感受不同琴键层次所产生的音质），需要花多少力去释放琴键，更重要的是去感受琴键的回弹（在下键抬起的过程，感受琴键是如何推起手指）。所有的这些目的是为了在钢琴家与钢琴之间形成紧密直接的连系。即钢琴与人的融合。

 1) 两只手（左右手）指尖与指尖分别相对立，成曲线形状，如图所示。

2) 手指尖互相接触，但需非常坚固的，保持手指关节支撑。

3) 手指间渐渐互相施加力，但保持手不动，形状不变，同时保证施加在另一只手指尖的力是相等的。

4) 把力增加至最大，此时你会发现你的手臂也开始慢慢抬起，（注意手腕应牢牢支撑住，不能塌下来），之后再渐渐释放力。

在这个练习中，不应发生任何可察觉至的变化（手型，关节，移动等），但是在这过程中，你感受到压力逐渐增加及减小的过程，而所有的动作及力的发生，是手臂手腕手指关节支撑下完成的。

许多老师担心初学孩子关节经常无法支撑住，手指容易紧张等等问题。这个练习的目的是确保学生的关节（背部、肩膀、手指、手腕及手臂）在非紧张的条件下，强化其巩固性。同时，学生也会自然而然感受到从手臂发力的过程，以及正确逐渐下键的触键方法。（注意手腕支撑的目的为了把力从手臂传到手指尖，再到键盘，需牢固支撑。落提，抬起等独立分开的动作，会使力从手臂至手指断开，无法最后传到指尖，从而失去控制。这也是为什么许多演奏者弹奏完会感受到手腕酸痛，手指累，音阶跑动无法加速等等。  这些技巧因为时间的原因无法谈到。在音乐方面，多余的动作会使乐句缺乏平稳性，产生重音不平均，缺乏乐句方向性等等）

练习二----感应的应用及连续的触键施力

 这个练习目的是为了让学生在具有同样弹奏钢琴的感觉下让手指感觉到逐渐下键的过程。时刻保持手臂 手腕及手成一条线，于此同时 试着通过手臂发力 指尖慢慢增加增加力，注意不要抬起手指，而是紧贴手掌 直接向下慢慢推。而在下方支撑的手掌，同时施加压力，提供施加压力的回馈。

这样能够让学生直接通过身体感受非常细微的施力的渐变，学会如何增加或减少压力。另外，肩膀，手臂，手腕及手指是以一个整体进行协调工作,帮助力的的有效传递，而不会在中途丢失。

当练习1与练习2精准后，我们可以把这个体验运用在钢琴演奏上。

练习3——感觉琴键的“离去”和“回弹”

1)  确保手指是紧贴着键盘的；

2）不要抬起手指或者任何的关节；

3）手指保持在钢琴琴键上并保持与键盘连接着；

4）想象键盘有不同的层次渐变--想象键盘可以被分成10个不同的层次；

5）从琴键最上方非常缓慢的下键，并同时感受琴键的层次渐变。（切记不要抬起手指再下键，此感觉应和之前所讲的练习1&2类似）；

6）让键盘几乎回到90%的位置，再已同样方法下键；

7）让键盘几乎回到80%的位置，再已同样方法下键；

8）让键盘几乎回到70%的位置，再已同样方法下键；

9）让键盘几乎回到60%的位置，再已同样方法下键；

10）重复步骤直到键盘不能再上来；

11）仔细听声音，并且感受键盘是如何随着键盘缓慢上来。想象你不是在向下弹奏键盘，而是琴键上升并向上推起你手指的过程。

这个训练能够帮助学生意识到琴键是如何与手做响应。这是发展学生拥有控制力及灵敏度的第一步----而这是培养学生乐感及拥有不同色彩弹奏。

许多老师问我：应该给学生用什么教材。我的回答是，教材使用不应该是重点----因为教材只是音符不同组合。重要的是老师如何把它传输给学生。如何让学生感受到肌肉感应以及与音质在钢琴上的联系（不仅仅是唱正确的音符，数节拍）。

接下来的一点并没有在教学中经常提及，经常性我听到老师规定学生跟着节拍器弹到多少速度，并让学生大声的数出声来，或者是进行唱谱。这些都是外部施加的期望以及标准。学生有义务去追随这些外部的强制，并在速度以及精准的情况下完成，然而很少提及音质，连贯，声音的联系，音色的流畅变化（而这是乐感及美学的的基础）。而这些是内在的趋势。在内在趋势下，即学生形成对下键力度，下键层次与音质的联系，脉冲，以及音乐的流动性。

另外简单赘述----节奏不仅仅是极限的数拍子或者跟着节拍器弹奏，这不是真正自然的节奏。相反，它是通过时间所感应的运动。

就像心跳--非常规律性但并不是100%准确。每一次心跳都存在微小的变化。就像跳舞，或是打棒球挥舞的手臂--都是通过时间链接一系列微小的动作。这些感觉应是非常自然简单,而非复杂刻意的。

同样的，在钢琴钢琴中，也是一样的道理。弹奏一系列快速音符（音阶）并非是去思考每一个音符。相反，音阶弹奏是通过一个运动所产生的一系列音符的发生。即通过大臂在第一个音发力，而这个力是持续的，所以之后一系列的音是第一音力的延续。而手指在做一系列的释放（并非从上至下弹奏）。这就是为什么钢琴家能毫不费力的弹奏出清晰，平均颗粒的音阶。

在标准化的钢琴教学中，发展动态中的流动感以及节奏经常被忽视。就像我之前提及的，许多标准化的要求是外部强加而非是内在唤起而自然而然发起。如果我们开始于内部--当观感上的关系在我们身体（非仅仅手指） ，动态的质素，钢琴以及声音联系在一起--演奏者只需要把声音重新以动态的形式再现出来。而这是最基本钢琴技巧的元素。

在我们观察许多钢琴演奏家演奏的时候，我们看到的是他们是真正从内部的感应而谈走出来的。他们感受到音乐，在大脑中产生“想要”的声音，通过整个身体运动的协调，并伴随敏感的渐进以及与乐器的连接，这也是为什么他们能如此享受弹琴的过程。这不仅仅是杂乱机械的动作，相反，这是根据音乐需求，与身体同步化的运动，以及演奏者的意图。